Emiliana Cordaro is in Maarssen geboren op 18 mei 1967.

Haar studie begon aan de Hogeschool voor de Kunsten te Utrecht (1989-1991). In 1993 volgde zij nog een aantal privé schilderlessen waarna zij haar eigen, zeer herkenbare, stijl begon te ontwikkelen.

Lucht - landschap - land - licht - kleur

Emiliana bekijkt het landschap in vormen, vlakken, lijnenspel, kleur, en de contrasten hiertussen.

Landschappen van eenzaamheid en oneindigheid.

Landschappen waar zij zich thuis voelt. Hier zuigt ze alle elementen in zich op om deze vervolgens te weerspiegelen in haar schilderijen.

De beelden worden niet identiek nageschilderd maar zijn een impressie van de beelden en indrukken. Gevoelsmatig schildert zij de vlakken en kleuren, en maakt er een harmonieus geheel van.

Kenmerkend zijn de “oud Hollandse” luchtpartijen gecombineerd met een strakke geabstraheerde landschapsindeling.

Emiliana’s huidige serie olieverf schilderijen “landscapes” zijn geïnspireerd op Toscaanse heuvellandschappen en Noord Hollandse bollenvelden.

De landschappen zijn bijzonder sfeervol en dankzij een overweldigend maar toch warm kleurgebruik krijgt haar werk een enorme zeggingskracht.

Rob de Haan schildert stemmingen, emotie en sfeer.

Geboren in Hilversum op 12 juni 1943, ontwikkelde hij zich al op jeugdigde leeftijd tot een “ambachtelijke” kunstschilder, in de traditie van de Haagse School. Geworteld in het Gooise landschap vond hij aan het begin van zijn carrière inspiratie in zijn directe omgeving. In de voetsporen van de Larense schilders onstonden zijn schilderijen, waarin de natuur het overheersende thema zou blijven.

Nadat hij had besloten om van zijn passie zijn beroep te maken, vonden zijn landschappen en stillevens al vroeg hun weg naar de kunsthandel en de particuliere bewonderaars. Hoewel het eerder genoemde begrip “ ambachtelijk” in een bepaald kunstenaarsmilieu soms een negatieve bijklank heeft, zou juist die gedegen manier van werken in het voordeel van de groei van de kunstschilder De Haan blijken te zijn. Met een ijzeren discipline dagelijks achter zijn ezel gezeten, ontstonden de werken in die steeds grotere kring bekendheid en waardering ondervonden. Ook internationaal. Zijn pallet werd allengs kleuriger, gedurfder en evenwichtiger.

De streek van zijn pencil en het palkletmes werd quasi nonchalanter en langzaam aan gehanteerd met de bravour van de gedegen kunstenaar vakman die zich de “ kunst van het weglaten” meester had gemaakt.

Rob de Haan schildert stemmingen, emotie en sfeer.

Maar het is vooral de spanning die zijn werk zo interessant maakt, en iedere keer opnieuw de kunstminnaar blijft verwonderen.

The artist Hans Dolieslager has occupied himself for many years with the landscape around his place of living Goedereede. Nature reserve "De Kwade Hoek" (the evil place) and the polders with their vast fields and rows of trees are the source of his paintings, pastels and graphic art. Not so much the direct identification of certain spots are of interest to him, as especially the atmosphere, the rhythm and the changing-of-color in the landscape are subject of his work.

BIOGRAPHY

Hans Dolieslager was born in Leyden in 1950. In 1976 and 1979 he got his education-qualifications of Drawing and Handicraft.

Since 1982 he has worked as and independent artist in Goedereede.

Since 1989 he has been one of the organisers of expositions of modern art in the townhall of Middelharnis.

In 1989 Hans Dolieslager was one of the lecturers in a course of drawing and painting which was broadcast by Dutch Television in 1990.

From 1991 to 1997 he was on the board of SBK Zuidhollandse Eilanden (an organisation for the lending of art) in Hellevoetsluis/Middelharnis.

From 1997 Hans Dolieslager has advised the county of Zuid-Holland with expositions in the countyhall in The Hague.

Born 1970, in Windsor Canada.

While living in England, Stacy visited a small gallery located not far

from her home in London. The paintings she saw ignited a desire to

be ‘creative’. She walked out of the gallery into an art store, bought a

canvas, a few tubes of paint, went home and – having never held a

brush in her life – painted her first landscape.

Today, her work, which is sold to collectors across the globe incorporates

the influences and inspirations of her life, wide-ranging travels and

friends. She loves to capture unique textures and vibrant colours through

abstract forms and images in fun and whimsical ways.

Stacy was born and raised in Canada. After completing a Bachelor of

Arts degree at the University of Windsor, she travelled to Australia and

Europe where she lived for several years prior to moving to the US.

She now lives in the Bay Area, California.

Through the use of acrylic paint and other mixed media, she investigates

how texture, colour and shape relate to each other on canvas.

Her paintings explore the dynamic interplay between transparent and

opaque elements, often applying her colours in dozens of layers to

achieve the particular depth and radiance she desires.

“ Schilderen is als een droom, die toegang geeft tot een innerlijke, poëtische wereld,” zegt de Waddinxveense kunstenaar Theo den Boon.

Nu droomt een mens zijn dromen zonder daarbij in te grijpen. Wanneer den Boon op zijn intuïtieve wijze schildert, dan zet hij bewust op cruciale momenten sterke kleur- of vormaccenten neer. Verder laat hij zijn composities op linnen of papier zonder plan vooraf ontstaan: “ Het ene werkstuk komt uit het andere voort. Ik laat me vooral leiden door mijn gevoel,” verklaart de kunstenaar.

Minstens zo belangrijk als het dynamische werkproces zijn de momenten waarop den Boon zijn composities kritisch bekijkt en oordeelt of er nog voldoende spanning in aanwezig is.

Dat hij daarom vervolgens sommige stukken van het doek weer te lijf gaat met nieuwe verfpartijen of prikkelende accenten aanbrengt met de olieverfstick spreekt vanzelf.

Den Boon’s abstracta-expressionistische aanpak is het best te karakteriseren als een gedreven soort schildershandschrift.

Den Boon is echter verder deze weg ingeslagen door zich op eigen wijze van een beeldtaal te bedienen.

De ene keer overheersen in zijn werkstukken tedere, transparante tinten blauw of geel die dooraderd worden door ferme strepen en spikkels.

Ook confronteert den Boon krachtige kwaststrepen met brutaal vloeiende verfplassen en witte vlakken, die als afbakening van de actie in de compositie fungeren.

Een andere keer strijden meer tekenachtige symbolen of signalen om de aandacht van de toeschouwer, vanuit weer een wit veld met strikt primaire, frisse kleuren: geel, rood en blauw.

Al doende lijken deze signalen zowel letterlijk als figuurlijk enige orde te scheppen in de opgeroepen chaos. Maar lang voordat de totale ordening in zicht komt weet den Boon het mysterie en de spanning in zijn composities te bewaren door gewoonweg op het juiste moment zijn schildersenergie te kanaliseren of haar een halt toe te roepen.

Zo wordt de toeschouwer steeds opnieuw een fascinerende blik vergund in een heldere droomwereld van kleurenecho’s, het opengestelde privé-domein van Theo den Boon, schilder pur sang.

Sinds 1993, na haar loopbaan als modeontwerpster, concentreert Beate zich op haar passie; schilderen op doek.

Haar creatieve basisopleiding volgde zij aan de modeacademie in Düsseldorf. Na deze studie in 1981 begin zij haar loopbaan als modeontwerpster in het Verre Oosten, waarbij het grafisch uitbeelden van haar ontwerpen en creaties een zeer belangrijk onderdeel vormde. Gedurende twaalf jaar bracht zij een groot deel van haar tijd door in Azië. Deze belangrijke periode in haar leven heeft dan ook een grote invloed op haar huidige werk.

Beate streeft naar eenvoud, zowel in vorm als kleurgebruik. Ze hanteert hierbij gemengde technieken. Vooral de combinatie van acryl met papier, zand, bladzilver, bladgoud en soms ook stof zijn terug te vinden in haar werk. De verf is bedachtzaam in vele lagen opgebracht. Het elementaire en pure is hierbij het uitgangspunt of: de uitdaging om van b.v. 2 lijnen een spannend schilderij te maken is groot.

Abstracte en figuratieve thema's, zoals mensfiguren en potten en schalen, wisselen elkaar af. Fysieke en psychische aspecten van de mens verwoordt Beate op haar eigen kunstzinnige wijze.

Ze toont ze zonder franje, met weinig detaillering en in gedempte tinten. Daarmee zijn ze niet saai en somber, maar juist sprekend, ook al is de vorm eenvoudig. Kortom; ze is een kunstenaar in het optimale gebruik van minimale middelen

Education:

Private painting and drawing lessons by Jeanne Faure, Artibus (open

Academy) Utrecht.

Pottery lessons and Workshops in Amersfoort, Moose Jaw and Cold

Lake ( Canada)

Techniques:

Aquarelle, acrylic, oil paint, mixed techniques.

Brilliant colours.

Her pictures radiate zest and vitality. Dynamic colours and subtle

contrasts give Hanneke Floor’s pictures an exceptional brilliance and

texture. Her individual treatment of various painting techniques and her

feeling for aesthetics are the hallmarks of the artist’s style.

In private painting and drawing lessons Hanneke Floor perfected her

artistic gift. In addition to painting, the multi-talented artist also uses

ceramics as a way to express her inspirations.

Her works have already been on display in various exhibitions

Greetje Faber was born in 1951 in Harderwijk, the Netherlands.

She was trained at the Academy of Design Artibus in Utrecht. Today,

along with her husband she runs a gallery and art restoration studio called

'De Korne & Faber'.

She paints on panels or linen and add details in gold leaf, silver leaf or

sheet-copper.

A magical painterly world is created from the source of her inspiration,

ancient cultures, particularly ancient Egypt. In her paintings the feeling of

ancient Egypt becomes visible and tangible to the extent that when

looking at her paintings we feel closely linked to that magical past and

this helps us as we search for spiritualism and serenity in today’s world.

Her compositions also remind us, particularly in the vertical pictures and

through the use of arabesques and floral line drawing, of the Art Nouveau

movement.

Greetje’s work has been exhibited at several galleries and museums both

in Holland and other countries in Europe and beyond. Today she lives and

works in Tilburg.

Greetje Feenstra is geboren te Groningen en opgegroeid in de polder. Opleiding: Minerva Academie.

Zij schildert sinds 1989 en heeft haar zowel in binnen- en buitenland geëxposeerd.

In al haar schilderijen herkent men haar inspiratiebron: de natuur.

In abstracte vorm bepalen kleur en vorm de expressie.

In haar meer figuratieven werk vertelt een wijds landschap of een enkele bloem het verhaal.

Zij streeft niet naar het weergeven van details, maar filtert het voor haar belangrijkste element uit de natuur: de kleur.

Gisela Funke lives and works in Mühlheim in the Ruhr region of Germany.

She is entirely self-taught.

The need for creativity and love of art take up a large part of her life. Even when she was young, she was committed to art through her family connection with the artist Otto Dix (1891-1969). The intensity and the power of colours in these oil paintings appealed to her a lot.

Her paintings are not a direct reflection of what she sees but are an impression of feelings and images.

A specific subject, which can vary from landscapes and flowers to human characters, is frequently the inspiration for her painting. This subject is then abstracted and made part of a balanced composition.

Gisela exhibits her work regularly in galleries and art shows in several countries around the world.

HOPE is een veelbelovende, noord-nederlandse kunstenares.
Deze in Stadskanaal geboren artistieke vrouw (1961), heeft zich in de loop der jaren in
meerdere disciplines bekwaamd, waaronder: zeefdruk, etstechnieken en het
"snellere" expressieve werk in de vorm van acryl op canvas of op paneel.

Van jongs af aan staat de grafische expressie in haar vele facetten al centraal in haar leven.
Ook was zij professioneel schilder van handbeschilderd "delfts blauw" aardewerk.

De afgelopen jaren heeft zij zich vooral gericht op het schilderen van grotere werken in acryl.
Vooral deze werken, en met name haar bloemenkoetjes dragen bij aan een steeds toenemende
populariteit van HOPE's werk.

Roel Hofman is op 14 mei 1956 te Rotterdam geboren. Al op jonge leeftijd raakte hij gefascineerd door tekenen en schilderen. Vanaf zijn 8e jaar werkt hij bewust en serieus aan zijn techniek en stijl. Op 16 jarige leeftijd is hij in de leer gegaan bij de Rotterdamse schilder Cornelis Witters.

Al snel bleek zijn talent uit de prijzen die hij met zijn werkstukken won. In de tachtiger jaren heeft hij les genomen om zijn vaardigheid in het fijnschilderen te vergroten. Spoedig werd hij i.p.v. leerling, leraar op een teken- en schilderacademie in Spijkenisse. 

Roel is in de beginjaren negentig een galerie en kunstuitleen gestart. Vanaf die tijd beheerst de kunst zijn leven. Om inspiratie op te doen trok hij zich meerdere malen per jaar terug op het platteland van Frankrijk. In alle rust, omgeven door de mooie natuur, kwamen nieuwe schilderijen en ideeën tot stand.

Begonnen met tekenen, ging zijn voorliefde al snel uit naar het schilderen. In zijn beginjaren schilderde hij veelal in de klassieke stijl. Daarna stapte hij over op het magisch realisme en het surrealisme. Langzamerhand ontwikkelde hij zijn eigen stijl, welke een duidelijke herkenbaarheid heeft

In zijn visie is het gebruik van kleur in een schilderij een van de belangrijkste elementen. Dat is het eerste waarop de meeste mensen gevoelsmatig reageren. Dit element komt dan ook duidelijk in zijn schilderijen naar voren.

"L' émotion en couleur"( "Emotie in kleur") is zijn thema van dit moment. Met de vrouw als symbool voor emotie, gevoel, kracht en kwetsbaarheid, probeert hij zeggingskracht te geven aan zijn schilderijen.

Welke een weerspiegeling zijn van emotie's en gevoelens die hem zelf bezig houden of fascineren.

Roel wil met kleuren de mensen onbewust raken, prettige associaties oproepen en door de uitstraling van zijn schilderijen een stuk plezier in het leven van de mensen brengen.

Het werk van Roel komen we inmiddels zowel nationaal als internationaal in vele huizen, galerieën en bedrijven tegen.

Willem Haenraets werd geboren in Heerlen, op 9 oktober, 1940.
Op 16-jarige leeftijd meldde hij zich aan bij de Stads Academie van Maastricht.
Vier  jaar later won hij een beurs van de Belgische regering om aan het Nationaal Hoger Instituut in Antwerpen te studeren, in de Meesterklasse van professor  Sarina ( Atelier Opsomer)  en professor Vaarten.
 
In zijn impressionistische schilderijen past hij veelal abstractie en figuratie toe.
Sfeer ontstaat dmv. kleuren, licht, vlakken en lijnen.
Het abstracte element blijft altijd bewaard, ook al is het doek figuratief.
Inspiratie wordt verkregen uit de omgeving, reizen, natuur en mensen....
 
Willem Haenraets heeft  exposities gehouden in Maastricht, Amsterdam, Brugge, Frankfurt, Milaan, Parijs, Londen, New York, Los Angeles,
Beverly Hills, Nagoya en Hondon de las Nieves.

Zijn solide esthetische achtergrond, als afgestudeerd architect aan de universiteit van Mendoza, leidt hem in zijn artistieke zoektocht. Gestart als fotograaf nam hij deel aan talrijke belangrijke competities waarbij hij diverse prijzen ontving die zijn activiteiten in dit veld verder stimuleerden. Toch was hij niet volledig tevreden. De behoefte aan een meer direct contact met de materialen voor kunstwerken leidde hem tot het schilderen in olieverf en de creatie van zijn eigen wereld van landschappenHij ontwikkelde een heel persoonlijke techniek en creëerde een eindeloze serie schilderijen genaamd “Landscapes from the land of the calm” In 1997 vindt er een vergaande verandering plaats in zijn wijze van creëren. Zonder de geestkracht en schoonheid van zijn werken te verlaten, begint hij zeer gepassioneerd zijn werken digitaal te ontwerpen. Na twee jaar zeer intensief werken verrast hij de inwoners van Mendoza met een expositie van 40 werken in het Museum voor moderne kunst. Deze expositie van groot formaat digitaal ontworpen werken met de suggestieve naam “Landscapes under the hidden moon” is, in de opinie van gespecialiseerde critici, het belangrijke voorbeeld van digitale kunst ontwikkelt in Argentinië. Eind 1999 is Fernando Hocevar beloond met een van de meest prestigieuze kunstprijzen van de wereld: de “Fiorino d’Argento” op de XVII Premio Firenze-Europa, sectie digitale kunst. Deze kunstprijs is gesponsord door het Europese Parlement en het bestuur van Florence Italië. In maart 2000 wordt hij beloond met “the Great Prize of Honor” op de “Fourth Digital Creation Awards” in Japan, een wedstrijd met wereldwijd aanzien. Eind 2000 ontvangt Hocevar in New York, USA. een “Honorable Mention” op de “Hyperart Biennale 2000”  In 2001 ontvangt hij de “GRAND PRIZE” op de “5th Internet International Art-Photo Contest,” gehouden in Japan met deelname van 500 kunstenaars uit 48 landen. Deze prijs, gevoegd bij de talrijke andere, maakt Hocevar tot een van de belangrijkste internationale kunstenaars in de nieuwe discipline van digitale kunst. Uitgenodigd door de prestigieuze “Interior Design Architechture Bilkey Llinas” (Palm Beach - Hong Kong) maakt hij in India werken die nu deel uitmaken van het interieur van ”The Grand Hyatt Bombay” en “The Grand Hyatt Kolkata”. Na deze opdracht vervaardigt hij 60 werken voor het Hyatt Hotel te Mendoza, Argentinië. In 2007 is een grote serie “limited edition giclée prints” uitgebracht.

Colourful Lights

Through his professional training as a window-dresser and commercial artist, Franz Heigl discovered art.

Ever since the 1960s he has particularly enjoyed painting in watercolours and tempera.

The artist, who was born in 1937 in the Bavarian Forest and today lives in Chiemgau, has worked as a freelance artist since 1989.

His paintings captivate the viewer with the combination of colors.

Warm, tender colours at the rims of the painting are set off against rich and expressive colours in the middle of the painting and thus emphasize the actual motif.

Playful gleams of light flood the landscapes by Franz Heigl and impart an extraordinary optical appeal to them.

Betty Jansma-IJzerman is in 1942 te Heerde geboren en woont en werkt thans in Kampen.

Als kind al had zij een voorliefde voor tekenen.

Tijdens haar opleiding en later in haar werk in het onderwijs, namen tekenen en schilderen een steeds belangrijkere plaats in.

Zij kreeg les van verschillende bekende schilders.

Betty werkt in aquarel, acryl en gemengde techniek, waarbij haar helder kleurgebruik opvalt naast het evenwicht dat ze met haar uitbundige composities weet te bereiken.

Ze heeft heel duidelijk en eigen impressionistische stijl ontwikkeld, maar wel met een expressionistisch gebruik.

Haar werk is reeds op veel exposities te zien geweest en ook won zij in het verleden al diverse prestigieuze prijzen.

Zij hoopt dat u met veel plezier naar haar werk zult kijken.

Alie Kruse-kolk, born in Enschede, Netherlands, is known for her expressive still live and landscapes .

Experiencing nature is an important aspect of the extraordinary effect of her painting .

The ease with wich she chooses her colors and works her brush as well as her excellent reproductions of exclusive works of art are distinctive trademarks of the dutch artist.

“Art from the bottom of the heart” is a fitting description of Alie Kruse-Kolk’s style; she is sure one of the most important artists of the future.

Biography

Wilhelmina Lof

Wilhelmina (Wil for short) Lof started to paint in her adolescence.
In 1964 - at an age of 16 - she joined a large Dutch textile printer as an apprentice. For almost twenty years she worked as a leading dessinatrice and coloriste for several textile printers, like Texoprint and Parisign.
Lots of her designs found their way into Europe, Africa, the Middle East and the  South Americas, taking shape as printed fabrics for the fashion industry. In the mean time she attended the Academy for Art and Industry in Enschede, specializing in Graphics and Textile Designs.

Her first exhibition of paintings in 1968 received much attention and appreciation from critics.
After having designed and styled several videotex and teletext services in the late 1980’s, Wil Lof decided in 1997 to paint almost full time… apart from attending post-academic classes in monumental painting at Artibus in Utrecht. Her series of exhibitions started in 1998. Soon she became a well known  contemporary artist, present both on national and international scenes.

She exhibited in Chania (Crete) back in 2002, followed by Port d’Andratx on Mallorca and taking part in the 4th Biennale dell'Arte Contemporanea of Florence in 2003. Wil attended the Muestra Internacional de Arte Contemporáneo Ciudad de San Sebastián in 2004 and showed her works in Barcelona, on the One Art Fair of Frankfurter Buchmesse and in the Latin American Art Museum of Miami. The year 2005 started off with participation at the Arte Sevilla and another solo exhibition in Chania. Exhibitions in Biarritz and Saint Jean de Luz in the French Pays Basque concluded 2006.

Wil Lof is represented by several galleries in the Netherlands, Germany, Greece, France and Spain. Apart from original paintings featuring figurative as well as abstract motives, some Wil Lof’s are available as reproductions in limited edition as well as unlimited editions.

Lizette Luijten Daas werd geboren op 16 december 1965 te Breda. Naast haar lerarenopleiding tekenen en textiele werkvormen aan het Möller - instituut en de opleiding Vrije Kunstrichting aan de Academie voor beeldende vorming in Tilburg hebben ook het lesgeven aan verschillende scholen en het geven van cursussen haar gevormd. Ze exposeert regelmatig in Nederland en België. Naast haar activiteiten als kunstenaar in haar eigen bedrijf Artilize, werkt ze sinds 1989 als compositietekenaar voor de politie.

Schilderen doe je met je handen, je hoofd, maar bovenal met je hart. Daar slaat Lizette alle indrukken en gevoelens op en daar moet het ook weer vandaan komen. Er zijn gesprekken met de cursist, de getuige, het model. En daar komt de inspiratie vandaan. Op haar atelier loopt ze heen en weer.

Een streek, lopen, kijken, teruglopen, weer een streek en zo door, laag over laag.

De composities vormen een contrast tussen licht en donker, transparant en dekkend, rechte vlakken en de natuurlijke rond vorm van het lichaam. Maar dat zijn slechts de uiterlijkheden van het schilderij. Deze elementen staan symbool voor heel andere, menselijke tegenstrijdigheden. Zo is schilderen voor Lizette een zoektocht naar rust en kracht, kwetsbaarheid en afstandelijkheid, intimiteit en openbaarheid.

Deze contrasten zijn voor Lizette het meest herkenbaar in een vrouw. Daarom schildert ze praktisch alleen vrouwenlichamen, maar uiteindelijk gaan de schilderijen over haarzelf. De zorgvuldig bij elkaar gezochte kleuren olieverf vormen gen  fotografisch venster van de werkelijkheid, maar een verbeelding van een visuele ervaring. Ze creëren een vertaling van de relatie tussen model en kunstenaar.

Er zit diepte in haar schilderijen. Littekens, maar ook glimlachen.  Gebogen ruggen en uitgestrekte armen. Een hoofd tussen de knieën of handen hoopvol vooruit gestrekt. Er zit leven in de schilderijen. Maar net als bij een echt mens leer je het schilderij pas echt kennen in de loop der jaren. En net als bij een echt mens is het juist deze eigenschap die er voor zorgt, dat je geen genoeg kan krijgen van haar werken.

Carlo Marini’s work is characterized by simplicity of putting flowers and vases at the heart of the image.

In this process a play of lines and planes are created. The absence of perspective is a conscious choice and combined with the warmth of natural colours they create the specific atmosphere that Marini is searching for. Neo-minimalism can best describe Carlo Marini's work.

His greatest reward is seeing the pleasure his work brings to others.

Biografie Jan Eelse Noordhuis.

Geboren te Katwijk op 17 december 1948.

“Ik zat me daar te verwonderen over zo’n mens dat tweeduizend jaar geleden leefde en naar wie ik sta te kijken in de twintigste eeuw. Ik vond het prachtig om dat eens aan te pakken en ging ermee aan het werk. Dat oude in die cultuur grijpt me net zo aan als de verweerdheid van een zeildoek. En dat zal zo blijven, hoewel mijn horizon zich mede door mijn reizen stellig zal verbreden.”

Jan Noordhuis volgde de Vrije Academie voor Beeldende Kunsten ( tekenen, schilderen, etsen, lithografie) en een tekenopleiding aan de Koninklijke Academie, beiden gevestigd in Den Haag ( 1968 – 1974 ). Als kind al was hij gefascineerd door oude verweerde materialen als zeildoek, verschoten jute, aangetast ijzer en lood. Hij houdt van oude visserijplaatsen en havens. Uren dwaalt hij daar rond en verzamelt de materialen die in iedere haven voor het oprapen liggen. Stukken touw, zeildoek, netten, ijzer en andere vondsten neemt hij mee naar huis en begint deze materialen te verwerken in zijn schilderijen.

Hij is nog jong als de gemeente Katwijk begint met het aankopen van zijn werk. In deze periode maakt hij ook krijt - en pen tekeningen van koeien en stieren en gaat hij regelmatig naar Leiden om schetsen te maken op de veemarkt. Deze tekeningen zijn sterk van lijn en prachtig van compositie. Het werk uit deze periode is nog steeds te zien in het gemeentehuis, de brandweerkazerne en in diverse andere overheidsgebouwen in Katwijk.

Jan richt een kunstenaarscollectief op in een tijd dat het moeilijk is atelierruimte te vinden ( 1973 ). Het is een groep van zes kunstenaars uit verschillende disciplines.  Ze zijn op zoek naar een pandje en kloppen bij de gemeente aan met het verzoek hen te helpen aan werkruimte. Zo ontstaat de naam van de groep “het Pandje”. Meermalen moet de groep wijken voor bouw - en sloopplannen en valt uiteindelijk als collectief uiteen. Jan vindt zijn eigen atelier ruimte ( 1987 ) en legt zich steeds meer toe op materieschilderijen. Daarnaast maakt hij etsen van Katwijkse taferelen om op die manier aan geld te komen. Hij start een kleine galerie waar deze etsen te koop zijn  en kan zich, vooral in het zomer seizoen, verheugen op een behoorlijke belangstelling.

Het thema van de mummies raakt hem, na zijn veelvuldige bezoeken aan het Oudheidkundig Museum in Leiden. Meer en meer laat hij zich inspireren door de mystiek van de oudheid, de vergankelijkheid en oude culturen. Na de periode waarin materie de kern vormt voor het maken van schilderijen en waarbij het materiaal de vorm en de compositie bepaald, past hij nu materie toe in schilderijen die meer figuratief zijn en die Egyptische, Afrikaanse en mythische taferelen als onderwerp hebben. Oude ingangen van graven en tempels schildert hij, boten die mensen overzetten van de ene wereld naar de andere. Steeds vaker: mens- en dierfiguren zoals je die tegenkomt op oude rotstekeningen, of gestileerde Afrikaanse schilderingen.

 “Dit zijn oervormen die raken aan een essentie. Ik ben altijd meer geïnteresseerd in de beginfase. De oude Griekse cultuur werd naar het einde toe steeds perfecter en gepolijster. Daarna krijg je het verval. Geef mij maar de ruwe aanzet, het eerst gevondene. Dicht bij de oorsprong heeft een gedachte of vorm nog een bepaalde kracht en eenvoud. Het leven van vissers op zee, van stammen die in grotten leefden, of van mensen in Afrikaanse dorpen is eerlijker, directer.”

De materiaal keuze wordt gaandeweg subtieler. Waar eerst zeildoek, sloten, grote stukken ijzer, gespen en riempjes gebruikt werden, wordt nu steeds meer gebruik gemaakt van kleine vondsten, koper, ijzer, zink, marmerslijpsel, hout, riet. Collagetechnieken en tekening worden ingepast in een schilderij met olieverf of acryl. Ook oude gebouwen en woonvormen inspireren hem. Gevels, torens en poorten verschijnen op het doek. Na jaren schilderen op paneel, wordt nu opnieuw op linnen gewerkt.

Nadat ik in 1958 in Bennekom werd geboren, groeide ik op in een muzikaal – kunstzinnig gezin.

Sinds tien jaar ben ik dagelijks bezig met schilderen, begonnen met aquarelleren  toen gemengde technieken en nu acryl op doek.

Na jaren hard werken, de nodige tegenslagen en meevallers, ben ik eindelijk op de weg die ik bewandelen wil; het schilderen met acryl op linnen, groot en stemmig met basale kleuren.

Op zoek naar balans in vrijheid en kleur van lijnen en vormen. Daarbij moet harmonie rust in mijn werk brengen. De thema’s oude culturen en astrologie spelen de hoofdrol in mijn  werk.

Zij vormen een leidraad en houvast voor de steeds volgende doeken. Oude culturen, zijn de brug met onze afkomst, iets wat ons altijd zal bezighouden. De rust, de  kleuren en de vormen spreken mij erg aan, nog afgezien van de culturele achtergronden. De astrologie, omdat ook hier een bepaalde mystiek vanuit gaat, iet ongrijpbaars.

Dit vage, mysterieuze, ongrijpbare wil ik vangen op mijn doeken. Voor mij brengt schilderen op deze manier een balans in het hectische bestaan van vandaag.

Toch eist het telkens weer veel moed om dat immens grote witte vlak te overwinnen. Deze uitdaging geeft de onuitputtelijke behoefte om te schilderen.

Het kunstenaarsbestaan blijft balanceren tussen diepe dalen en hoge pieken, twijfel, erkenning, en verdriet, maar voor mij een passie. Altijd zoeken naar andere mogelijkheden, mijn grenzen verleggen binnen omlijnde gedachten is de manier waarop ik wil blijven werken en ontwikkelen.

Jo Oakley

“Searching my heart for it’s true sorrow.

This is the thing I find to be

That I am weary of words an people

Sick of the city

Wanting the sea’

A poem by Edna St. Vincent Millais

Although written in the early 1900s these words echo my feelings about

living in the city and yearning to spend time at my beach hut on the

southeast coast today. My new collection of paintings are about this experience.

As well as the observations in the landscape I have worked on capturing two different aspects

of how time is spent there. Collecting treasures from the shore, reading, writing an watching.

The interior has its own story, a mixture of objects inherited from past owners and my own addments’, fading  fabrics of times gone by.

The paintings are on canvas, the surface is built up and scraped away.

Subtleties in this process help to create the richness and depth that  communicates these

different aspects for me.

Liesbet is geboren op 10 mei 1955 en woont en werkt in het Twentse Enter.

Ze heeft haar eerste schilderlessen gehad van de kunstenaar Berend Seiger.

Tuinieren is haar passie en reizen is haar meest geliefde vrijetijdsbesteding, het liefst naar warme en exotische oorden.

Andere mensen ontmoeten en het ondergaan van vreemde culturen.

Dit alles prikkelt haar fantasie en nodigt haar uit tot het experimenteren met veel verschillende materialen, zoals het zelf maken van papier en het verwerken van houtsnippers en verschillende soorten zand en pasta in haar werk.

De liefde voor de aarde is terug te zien in haar werk door het gebruik van aardetinten. Ze werkt het liefst met acrylverf, die in zeer vele dunne lagen wordt aangebracht om tot een mooie warme kleur te komen.

Corry Olthof komt uit een kunstenaarsfamilie uit Breda. Ze volgde haar opleiding aan de academie Sint-Joost in Breda.

Nadat ze is afgestudeerd in 1960, heeft ze post-academische workshops en masterclasses gevolgd. Haar werk is in tal van plaatsten in binnen – en buitenland geëxposeerd, onder meer op toonaangevende kunstevenementen en in bekende galerieën.

Schilderen in oude technieken, het mengen van pigmenten en Arabische gom en dan plotsklaps zand door de verf strooien of een tube acrylverf aanbreken; zo werkt Corry Olthof.

Het zegt iets over haar werk en ook over de combinatie van heden en verleden, die daarin aan de orde gesteld wordt.

Ze doet geen poging de schildertrant van de oude mediterrane culturen te kopiëren, staat met twee benen in het heden, maar kijkt van daaruit om naar een wereld die charmes bezat, die vandaag de dag ontbreken.

Het best zou je Corry Olthofs schilderijen ‘evocatief’ kunnen noemen. Ze brengt vormen en kleuren zo aan, dat ze de oude tijden eerder suggereert dan weergeeft.

Ze mengt flarden uit de herinnering aan bijzondere plaatsen in de Levant met de directe kleurindrukken die leven en actualiteit geven aan de persoonlijke beleving.

Nadat ik in 1958 in Bennekom werd geboren, groeide ik op in een muzikaal – kunstzinnig gezin.

Sinds tien jaar ben ik dagelijks bezig met schilderen, begonnen met aquarelleren  toen gemengde technieken en nu acryl op doek.

Na jaren hard werken, de nodige tegenslagen en meevallers, ben ik eindelijk op de weg die ik bewandelen wil; het schilderen met acryl op linnen, groot en stemmig met basale kleuren.

Op zoek naar balans in vrijheid en kleur van lijnen en vormen. Daarbij moet harmonie rust in mijn werk brengen. De thema’s oude culturen en astrologie spelen de hoofdrol in mijn  werk.

Zij vormen een leidraad en houvast voor de steeds volgende doeken. Oude culturen, zijn de brug met onze afkomst, iets wat ons altijd zal bezighouden. De rust, de  kleuren en de vormen spreken mij erg aan, nog afgezien van de culturele achtergronden. De astrologie, omdat ook hier een bepaalde mystiek vanuit gaat, iet ongrijpbaars.

Dit vage, mysterieuze, ongrijpbare wil ik vangen op mijn doeken. Voor mij brengt schilderen op deze manier een balans in het hectische bestaan van vandaag.

Toch eist het telkens weer veel moed om dat immens grote witte vlak te overwinnen. Deze uitdaging geeft de onuitputtelijke behoefte om te schilderen.

Het kunstenaarsbestaan blijft balanceren tussen diepe dalen en hoge pieken, twijfel, erkenning, en verdriet, maar voor mij een passie. Altijd zoeken naar andere mogelijkheden, mijn grenzen verleggen binnen omlijnde gedachten is de manier waarop ik wil blijven werken en ontwikkelen.

Biografie   YVONNE POELSTRA-HOLZHAUS      

Yvonne Poelstra-Holzhaus (1946) is via Academie Artibus (Utrecht) als fotografe aan de slag gegaan.

Steeds meer trok haar echter de natuur en een andere manier van werken. Op de  academie was tekenen niet haar lievelingsvak, maar daar is toch de basis gelegd.
Ook haar werk als fotografe heeft bijgedragen in haar manier van werken.

Als autodidact heeft Yvon een totaal eigen stijl ontwikkeld.

Minutieus, maar dan wel uitgevoerd in olieverf op groot formaat doek, geeft zij bloemen een nieuw leven.

Vaak krijgt zij te horen, dat mensen heel anders naar de natuur zijn gaan kijken, sinds zij de bloemenschilderijen van Yvon hebben ontdekt. Dat is toch wel het grootste compliment wat een schilder kan krijgen.

Hans Paus (1959) is ontegenzeglijk een gepassioneerde, moderne landschapschilder.
De met paletmessen opgezette landschappen zijn een afgeleide vorm van impressionistische
schilderkunst, waarin hij een herkenbaar eigen handschrift ontwikkeld heeft.
Alles draait om het vangen en intensiveren van sfeer in licht en kleur.
Hans Paus haalt het beste uit het landschap en geeft een eigentijdse draai aan het traditionele impressionistische gedachtengoed.
Sprankelende, heldere kleuren en doeltreffende lichteffecten zorgen voor picturaal spektakel.
Hoewel de schilderijen pasteus en “nat in nat” zijn opgezet, slaagt de kunstenaar erin de indruk te wekken dat ze vlot en met de losse pols zijn geschilderd.
Gaandeweg het proces dwaalt hij af van de werkelijkheid, maar de abstracties zijn nooit zo ver doorgevoerddat ze een breuk veroorzaken tussen de oorspronkelijke inspiratiebron en het nieuwgecreeerde beeld.
De schilderkunst van Hans Paus wordt gekenmerkt door het streven naar poetische impressies
De schilderijen hebben een optimistische levensluchtige uitstraling.
vele succesvolle exposities in binnen- en buitenland op zijn naam staan.

Elena Radzetska originates from the Russian family of artists Lobanowa (grandfather Alexei). She paints since the age of 15.
1978 she completed her studies at the School of Art in Dnepropetrovsk, Ukraine. Her first solo and group exhibitions began 1982 in Ukraine and Russia.
Since moving to Germany in 1993 Elena showcases her art in Western Europe.
Further she continuously works on mural painting and the painting of high quality furniture.

Her works are presented and sold in galleries and solo exhibitions across Europe

Het werk van Jettie Roseboom is zeer gevarieerd, met duidelijk een eigen handschrift.

In al haar werken is de sfeer het belangrijkst. Een concreet onderwerp, dat kan variëren van landschappen en bloemen tot menselijke figuren, is vaak de aanleiding tot haar schilderijen. Het onderwerp wordt dan geabstraheerd en weergegeven in een evenwichtige compositie.

Het kleurgebruik is heel sterk en wordt aangepast aan de sfeer van het schilderij.

Sommige schilderijen ontstaan bijna spontaan en stralen dat ook uit, andere zijn geheel doorwerkt en tonen in zekere mate de worsteling vanuit de chaos naar de ordening.

De toeschouwer krijgt alle ruimte voor haar of zijn interpretatie van het kunstwerk,

Elk schilderij straalt een gevoel, zoals energie, rust of beweging uit.

Jettie exposeert regelmatig.  Veel van haar werk is in particuliere handen. Met haar werk heeft ze meerdere prijzen gewonnen.

Adrie Scherpenberg, (who signs her art, A3) was born in Amsterdam

in 1964.

Her artistic development was, as with many artists, an exploration –

discovering her niche in producing high impact, large, graphic portraits

of a basic black, white and grey, all with a simplistic and minimalist

identity.

Her reluctant introduction of colour into her work came from an

inspirational visit to Prague and her witnessing the bold, bright use of

colour in the work of Czech graphic artist Ladislav Sutnar. As a result

her portraits took on a new direction and further exploration.

It is plain to see, with all her work, an authentic graphic character

The Dutch artist André Schrooten (1962) is a passionate modern artist.

His passion for the miracles of nature and his strive to impressionistic artwork are characterized in the work of André.

In his work he combines new and old techniques and after many experimenting years,

he creates this specific fresco-style.

During the process the artist strays off the reality gradually but the abstractions are never so far carried through, that they cause a break between the original source and the new created image.

Nature ,Colors and Shapes are inspirations for André.

Dikke Dames Schilderijen door El van Leersum
Zij werd geboren in 1946 te Rotterdam, in ’59 verhuist zij met haar ouders naar Hoek van Holland. Tekenen was haar hobby, op school de beste maar naar de academie was er in die tijd niet bij. Na de schooltijd en diverse baantjes werd zij zelfstandig ondernemer en werkte 28 jaar in de evenementen organisatie. Onder de naam Van Leersum Promotions organiseerde zij braderiën, kleine en heel grote feesten, eerst in de regio en later ook daarbuiten, Zeist, Bunnik, Utrecht, Gouda, Rotterdam, Hoek van Hollland. Het waren enerverende jaren. 

Ondertussen sluimerde de wens om fulltime met de kunst bezig te zijn en sinds acht jaar is die droom uitgekomen.
Vandaag de dag is haar werk bekend en veel mensen herkennen haar werk ook , Dikke Dames schilderijen zijn vrolijke en humoristische werken die zij schilderd met felle kleuren en teksten!
Dagelijks is zij te vinden in haar atelier of op locatie. Haar werk wordt inmiddels uitgegeven door ART LINE HOLLAND.
Natuurlijk zijn haar werken op onze site te verkrijgen Dikke Dames Schilderijen in diverse formaten en producten van Artblocks tot Kunsposters.

Volynets Yuliya was born in 1976 in Minsk, Belarus.
1990-1994 - College of Fine Arts, department of painting, Minsk.
1994-2000 - National Academy of Fine Arts, department of graphic Arts, Minsk.
2000 - Member of Union of Artists of Belarus
Constant participant of art exhibitions en grafic biennales since 1995.

She has more than 26  solo shows and group exhebitions in Belarus,Russia,

Belgium, Poland, Lituania, Yugoslavia, Bulgaria, Italy.

1995-2002 - she worked as  Illustrator of children's books.
Since 2002  lives en works in Belgium. Main technics: painting on canvas, etching, graphic design, book illustration, 3D-design.

Most important element in her painting is an emotional condition. She paints in many

genres en techniques, but her favourite genre is portrait. Portrait of people, animals and flowers.  In every picture Yuliya  tries to create the lyrical atmosphere.

She uses not much of colour so focus stays on the subject.

Zij volgde een schilderopleiding aan de kunstacademie in s’ Hertogenbosch en later aan deelopleidingen aquarel en grafiek in Florence en Antwerpen.

Na een aantal jaren gewerkt te hebben als grafisch ontwerpster, werd zij vanaf 1997 fulltime professioneel kunstenares schilderwerken worden succesvol via gerenommeerde galeries en kunsthandels verkocht, door heel Nederland en België en door een gedeelte van Duitsland.

Het werk van Ans van Dijk sluit aan bij stromingen van het West-Europese dadaïsme en de Noordwest-Europese Cobra. Zij probeert in deze zoektocht naar primaire schilderkunst nieuwe impulsen te brengen, door integratievan wereldwijde etnische en soms prehistorische elementen.

Het primaire kijken en weergeven door kinderen enerzijds en door de zogenaamd primitieve mens anderzijds leveren nieuwe perspectieven en eenverfrissende beeldtaal.

Een perspectief zonder kapsones en een beeldtaal die voortvloeit uit intuïtie en instinct, gedachteloos en zonder vooropgezette theorie.

Biography: Jos van Riswick

Jos van Riswick originally studied Physics and worked as a researcher at the university of Nijmegen before changing his vocation in life to painting and the arts.

Being self taught, Jos started painting in the impressionist and expressionist styles before developing a more realistic outlook after seeing the work of modern Dutch artists, Carel Willink and Dick Ket.

Through his experimentation and development he has used many different media forms to convey his ideas, like hollow mirrors, camera Lucida and camera Obscura.

Jos eventually found that working with oil paints and a palette knife best recreated a realistic and structured image of nature. Capturing as visual elements; shadow, light, and reflections to a point where it appears three dimensional, allowing the viewer to participate in the ‘world’ he has created

In het werk van Heleen Vriesendorp wordt op harmonieuze wijze een

combinatie gevonden tussen realistische en abstracte elementen.

Zij creeert een abstracte compositie, waarin ze een realistisch gegeven tekent of schildert. Het model krijgt een vanzelfsprekende plaats, waarbij een volledige intergratie tot stand komt. Aan de lijnvoering en gedegen manier waarop zij de onderwerpen neerzet is te zien dat zij ooit als etser is begonnen.

Naast deze gecombineerde technieken maakt zij aquarellen waar de Franse en Italiaanse architectuur de basis vormen.

Na tentoonstellingen in Nederland werd zij geselecteerd voor de salon              D’ensemble van het Europees Instituut in Brussel.

Although the inspirations and influences of Anouska Vaskebova are very

wide, the colours of nature and flowers in an aesthetic style is a

constantly returning theme.

It’s not her goal to paint the flowers and objects in a realistic style but

she is trying to catch a warm atmosphere in putting memorabilia in a

contemporary setting.

Fading pots, vases and bottles melt together with the abstract painted

background.

These backgrounds are set up with the darkest colours first; then,

by adding several layers of lighter colours, she brings back light to

the painting.

The canvas is first prepared with different kinds of modelling paste.

Then with very fluid oil paint and a pallet knife she actually builds up

the painting by putting layer over layer.

Some parts are painted in a very traditional way and other parts in a

very contemporary style.

This variety of techniques demonstrates the artistic skills of Anouska.

Her work can be described as abstract realism.